Les Grammys

Photo: Max Wanger

entretien

L'ensemble de chambre contemporain yMusic a soutenu les lauréats des GRAMMY, de Paul Simon à John Legend et St. Vincent. Sur leur nouvel album éponyme, ils se révèlent être un univers à part entière.

Au cours d'une décennie et demie, yMusic a pointé sa flèche vers des collaborateurs, heureux d'exister principalement en tant que facilitateurs et augmentateurs - jusqu'à ce que Paul Simon ait quelque chose à dire à ce sujet.

"Chaque fois que nous travaillions avec des auteurs-compositeurs et des groupes, ils disaient" Alors, quand allez-vous écrire vos propres trucs? "", Se souvient l'altiste du groupe de chambre, Nadia Sirota, à GRAMMY.com. "Et on se disait : 'Oh non, de quoi tu parles ?'"

Si vous connaissez le classique, vous saurez que c'est normal pour le cours. Mais quand yMusic est apparu avec Simon sur son album de 2018 de coupes profondes réinventées, In the Blue Light, "Il était comme, 'Vous devez comprendre vous-même ce qu'est votre voix en tant qu'ensemble'", dit Sirota. « Nous l'avons pris au sérieux.

Avec cet encouragement du gagnant de 16 GRAMMY à leur actif, yMusic a divisé le temps dans leur calendrier de répétitions pour l'écriture – et cela a jeté un pont vers leur nouvel album autonome et éponyme d'originaux, qui est arrivé le 5 mai.

YMUSIC place le jeune sextet - Sirota, le flûtiste/chanteur Alex Sopp, le clarinettiste Hideaki Aomori, le trompettiste CJ Camerieri, le violoniste Rob Moose et le violoncelliste Gabriel Cabezas - dans un cadre concis, mettant l'accent sur la chantabilité innée et l'arc dramatique de chaque composition.

"Un principe d'organisation auquel nous revenions sans cesse était l'idée de la forme de la chanson, car cela semblait presque étranger à notre travail d'une manière cool", a déclaré Moose, qui a remporté deux gramophones d'or, à GRAMMY.com. "Mais aussi, parce que nous avons tellement collaboré avec des auteurs-compositeurs, nous nous sommes sentis chez nous."

Alors que vous absorbez les temps forts polyvalents de YMUSIC comme "Zebras", "Three Elephants" et "Cloud", lisez la suite pour une interview avec Sirota et Moose sur le parcours créatif de 15 ans du groupe, ce qu'ils apportent à la table pour les auteurs-compositeurs-interprètes et comment ce travail de consolidation a vu le jour.

Cette interview a été modifiée pour plus de clarté.

Le communiqué de presse de YMUSIC indique qu'il trouve "le groupe concentré sur la découverte d'une voix artistique qui lui est propre".

Nadia Sirota :Une chose très importante à savoir sur le groupe est que nous existons depuis 15 ans, mais chaque chose que nous avons faite avant l'album a été une collaboration avec un autre artiste.

Nous avons travaillé avec une tonne de compositeurs, de groupes et d'auteurs-compositeurs incroyables, et ce fut une joie et un plaisir de travailler avec toutes ces personnes, mais nous n'avions jamais créé de musique originale jusqu'à ce que nous commencions le processus qui a abouti à cet album.

Donc, c'était vraiment incroyable de doubler la créativité au sein du groupe. Nous avons toujours été très actifs dans nos collaborations avec d'autres personnes – et certainement très avisés, et très attachés à l'édition, à l'affinement et à la réorchestration.

Pendant tout ce temps, nous avons eu une main très créative, je pense, sur ces collaborations, mais nous n'avons jamais vraiment fait de musique nous-mêmes – c'est donc de cela qu'il s'agit.

Était-ce par conception au cours des 15 dernières années? Pour augmenter d'autres musiciens?

Orphelin: Ouais, et je pense que ça vient en grande partie, honnêtement, du fait que nous venons tous d'un milieu assez classique malgré l'endroit où nous nous sommes retrouvés dans le monde. Dans le monde de la musique classique, il est plus courant qu'autrement d'être soit un compositeur, soit un interprète.

Il y a des gens qui font les deux choses de manière explicite, mais si vous vous formez en tant qu'interprète, vous vous formez en tant qu'interprète…. qui travaille sur Brahms et Beethoven et Rebecca Clarke et tout ça.

Même si vous faites de la nouvelle musique, vous travaillez avec des compositeurs. Nous avons pris cela en devenant un jeune ensemble de musique nouvelle, comme tant d'autres ensembles de musique nouvelle.

Rob Moose :J'ai l'impression que notre histoire d'origine - notre mission depuis le début - concernait l'autonomisation.

Nous étions actifs en tant qu'interprètes indépendants, aussi bien dans la nouvelle musique classique que dans la musique classique, mais aussi en travaillant avec des auteurs-compositeurs et des groupes. Nous avions beaucoup de respect pour les groupes avec lesquels nous travaillions en dehors de la musique classique, et nous avions l'impression qu'ils étaient sous-représentés dans qui jouait leur musique - ou même comment ils voyaient leur travail collaboratif.

Donc, je pense que l'idée d'aider à - ne pas élever par notre présence, mais simplement élever ces personnes qui faisaient un excellent travail et lui donner la meilleure présentation possible était intégrée dans l'ADN du groupe.

Nous avons toujours été intéressés par les outsiders, dans un sens, et il nous a juste fallu beaucoup de temps pour nous regarder de la même manière : pouvons-nous aider nos propres voix à se faire entendre ?

Je pense que nous avons réalisé que nous nous sommes entraînés pour ce moment toutes ces années et nous sommes vraiment ravis d'entrer dans ce nouveau rôle.

Orphelin: Un autre angle de ceci est que ces pièces ont vraiment été écrites en collaboration. Ce n'est pas comme si l'un de nous était venu avec tout un tas d'idées et avait distribué des pièces et l'avait compris.

Dans les toutes premières phases de cela, nous entrions tous les six dans une pièce sans rien et essayions simplement de créer quelque chose – et six personnes, c'est beaucoup de personnes dans cet espace créatif. Je pense que nous étions tous ravis de voir à quel point cela fonctionnait.

Puis la pandémie a frappé. Tout le monde a dû se séparer, mais parce que nous avions forgé cette façon de travailler ensemble, nous avons pu maintenir cela sur les espaces numériques et trouver comment écrire, affiner et enregistrer en collaboration tout cela.

Je suis intimement conscient de votre travail sur Away d'Okkervil River et In the Blue Light de Paul Simon, bien que j'aie entendu yMusic dans un certain nombre d'autres contextes. Comment adaptez-vous votre approche et votre méthodologie à chaque artiste avec qui vous travaillez ?

Élan:Je pense que chaque collaborateur avec qui nous avons travaillé a vraiment donné le ton quant à la manière dont nous aborderons les résultats que nous recherchons.

Ben Folds et Bruce Hornsby étaient deux personnes très importantes pour nous qui nous ont aidés à sortir de la page et nous ont encouragés à faire les devoirs et à créer les parties - mais aussi à trouver la liberté dans les spectacles en direct ou dans les studios d'enregistrement, pour créer dans un moins conventionnel chemin pour nous.

Paul Simon aussi, mais aussi, il était le plus méticuleux pour éditer et affiner les idées. Ce qui est logique, car si vous regardez son travail - ses mots, les histoires, les structures de ce qu'il a créé, l'interaction avec différents styles et cultures de musique - je pense que la minutie est quelque chose que vous n'imagineriez jamais être un ingrédient manquant là-bas . Je pense qu'à certains égards, il nous a poussés à être dans l'instant, mais aussi à être le plus sous le microscope.

Je pense que notre groupe aborde toujours les collaborations de la même manière : avec beaucoup de sérieux, de joie et d'admiration pour les personnes avec qui nous travaillons. Nous nous inspirons des personnes avec lesquelles nous travaillons pour savoir ce qui fonctionnera le mieux pour elles, ainsi que pour leur public.

Orphelin:Nous avons appris à nous adapter à tous les processus, qu'il s'agisse de l'audio d'abord, des accords d'abord, de la notation écrite ou simplement d'une ambiance.

Parfois, quand j'essaie de créer quelque chose seul, je m'embourbe dans mon cerveau critique et c'est vraiment dur de travailler. Je pense que ce qui est cool avec les systèmes que yMusic a construits pour fonctionner, c'est qu'ils ne partent pas d'un endroit critique - même si nous devenons super critiques.

Élan:Comme il y a tellement de personnes dans le groupe, l'un des avantages est que nous pouvons toujours nous observer et tirer des idées les uns des autres comme ces collaborateurs l'ont fait pour nous.

Beaucoup de morceaux de musique que nous avons composés pour le disque ont commencé par presque écouter nos voisins pendant qu'ils s'échauffaient, comme : "Quel était ce son que tu viens de faire ? Quelle est cette technique que tu utilises ?" Nous serions en mesure de mettre en lumière l'idée de quelqu'un d'autre qu'il pourrait considérer comme complètement insignifiante et superficielle, pas la base d'une composition.

Pouvoir en témoigner et l'encourager, c'est quelque chose que nous avons appris de nos collaborateurs ; ils nous ont aidés à voir cela en nous-mêmes, et je pense que nous les avons également aidés à trouver des choses de cette façon. Donc, nous avons été vraiment ravis de garder cela dans le cadre de notre processus.

En tant qu'altiste et violoniste de yMusic, comment caractériseriez-vous votre interaction et votre fonctionnement en tant que rouages ​​de la machine musicale - à la fois entre vous et l'ensemble dans son ensemble ?

Orphelin: J'ai l'impression qu'il y a définitivement une certaine quantité d'alto rythmique que je joue parfois dans le groupe. Il y a nos fonctions les plus évidentes, puis nos fonctions auxiliaires.

Dans le groupe, les seuls outils que nous avons en tant que ligne de basse sont le violoncelle et la clarinette basse, vraiment. Donc, il y a des façons dont ces gars finissent vraiment par fonctionner de cette façon, et parfois, nous renversons totalement cela. Le spectre le plus large du groupe va du piccolo à la clarinette basse, en quelque sorte. Parfois, nous utilisons cette tartinade pour l'augmenter un peu. Si nous voulons ajouter de l'énergie, nous allons soit tirer quelque chose vers le haut, soit tirer quelque chose vers le bas d'une manière vraiment agréable.

Être altiste est une drôle de chose, parce que tu ajoutes toujours du beurre à la sauce. Vous n'êtes pas nécessairement l'idée principale, il y a un moyen par lequel vous pouvez vraiment ajouter de l'onctuosité au son. Habituellement, j'essaie juste d'ajouter un peu de texture et d'excitation.

Parfois, Rob et moi sommes dans la stratosphère en train de faire des lignes de cordes disco légères ou autre. Il y a toutes sortes de flexibilité dans la façon dont ce groupe travaille. Parfois, nous jetons l'alto du côté du vent et la flûte et le violon font des choses à cordes. Il y a vraiment tellement d'options différentes avec le groupe.

Je ne sais pas si vous le savez, mais le [modèle d'] instrumentation que nous avons n'existait pas auparavant. Donc, nous avons eu le grand luxe d'essayer de comprendre tout ce qu'il peut faire, et il y a des choses intéressantes.

Parfois, le violoncelle est également dans la gamme des violons et des altos, nous avons donc cette section de cordes aiguës folle pour la section des violons, mais composée de choses qui sont dans ce registre, avec des timbres légèrement plus excitants, dans mon esprit.

Élan:Je pense que, à certains égards, le rôle que vous avez, Nadia, est peut-être le plus diversifié du groupe.

Avec le violoncelle, vous pouvez former ce noyau de cordes basses, de chaleur et de soutien. Ensuite, certaines de mes combinaisons préférées sont lorsque nous jumelons la clarinette basse avec l'alto et le cor pour ce style de vie triadique chaleureux. Ensuite, comme vous l'avez souligné, vous ferez des trucs aigus en octaves ou à l'unisson avec moi.

Parfois, deux ou trois d'entre nous peuvent représenter ce que ferait la guitare ou le piano. J'adore faire partie de cette équipe brillante, parfois, avec trompette et flûte. Une partie de mon parcours a été d'apprendre à imiter la fin de leurs notes, qui est si abrupte par rapport à la fin de nos notes.

yMusique. Photo: Max Wanger

Quelles étaient les idées fondamentales qui ont dicté le cadre de YMUSIC ?

Élan: Nous n'avons pas nécessairement commencé avec l'intention d'écrire un disque. C'était plus un engagement à comprendre ce qui se passerait si nous six, 13 ans après notre voyage, décidions de composer en collaboration en temps réel sans antisèches, sans préparation, sans collaborateurs.

Orphelin: Tout peut inspirer le début de quelque chose, puis le matériau lui-même dicte où il doit aller. Souvent, nous avons décidé de faire quelque chose qui n'était pas là où nous nous sommes retrouvés, mais cela nous a amenés ailleurs, c'était vraiment cool. Je pense que c'est la nature de l'écriture.

MUSIQUE respire vraiment comme une expérience d'écoute ; c'est plutôt bien séquencé, à mon avis, et le drame semble s'étendre et se rétracter.

Orphelin: C'était certainement le but, et je dirai que nous avions beaucoup de matériel pour cet album. L'objectif était de le rassembler d'une manière à la fois excitante et agréable pour l'auditeur.

La chose à propos de nous six, c'est que nous pouvons entrer dans ce truc hyper bilinguistique où nous continuons à vouloir dorer le lys et continuer à vouloir travailler. Nous pourrions probablement réécrire de manière obsessionnelle chacune de ces chansons jusqu'à notre mort, si nous le voulions.

Élan:Nous avons des pièces là-dedans qui ressemblaient à des ancres auxquelles vous voulez arriver à différents moments, comme « Baragon », « The Wolf » et « Three Elephants » – les poutres structurelles qui sont [tracks] un, quatre et sept.

Je pense qu'il était important de terminer avec la pièce "Cloud" - la dernière pièce sur laquelle nous avons travaillé ensemble dans la salle avant le début de la pandémie. L'idée de cette pièce était d'essayer d'introduire quelque chose de positif, d'apaisant et de nourrissant dans un moment d'incertitude.

Orphelin: Fait intéressant, "Baragon" est l'une des choses les plus récentes que nous ayons écrites. Donc, nous avons terminé l'album avec ces deux œuvres qui étaient importantes pour nous dans le processus d'écriture, et avons trouvé un moyen d'aller du point A au point B.

Alors que 2023 avance, qu'est-ce qui se prépare pour yMusic et qu'aimeriez-vous faire éventuellement ?

Élan:Nous avons pu jouer l'intégralité du disque pour la première fois au Carnegie Hall en janvier, ce qui était vraiment excitant.

Je sais que nous sommes vraiment impatients de présenter davantage le travail – en particulier le concert que nous avons fait – la première moitié étant la musique que nous avons composée, puis la seconde moitié étant deux premières de deux compositeurs que nous admirons vraiment.

Je pense qu'il est important] d'entendre notre travail parallèlement à un travail comme celui-là, et de ne pas les séparer et de se dire, nous l'avons fait avant, nous le faisons maintenant, mais dites, toutes ces choses sont qui nous sommes.

Orphelin: Nous avons des collaborations à venir dont nous ne pouvons pas encore parler. Donc, il y a les trucs du côté des auteurs-compositeurs qui vont s'infiltrer.

Du côté des compositeurs, nous pouvons parler des choses suivantes : nous sommes ravis d'enregistrer bientôt cette toute nouvelle œuvre majeure d'Andrew Norman, ainsi qu'une nouvelle pièce de Gabriela Smith à venir dans la prochaine saison. Parallèlement à cela, nous allons prendre plus de temps pour écrire plus de choses.

Une chose intéressante à propos de ce groupe, qui a toujours été vrai, c'est que ce n'est pas la seule chose que chacun de nous est censé faire. Nous l'avons toujours traité comme une partie extrêmement importante de nos vies, mais nous faisons tous aussi d'autres choses créatives, et elles ne sont pas du tout dans le même domaine.

Donc, j'ai l'impression que ce qui est bien, c'est que lorsque nous nous réunissons, nous arrivons toujours avec une nouvelle perspective.

Yo-Yo Ma sur ses amitiés de longue date, la connexion de la musique à la nature et son nouvel original audible, l'esprit du débutant

galerie de photos

Brittany Howard, Shawn Everett, Blake Mills et d'autres nominés aux 58e GRAMMY racontent l'histoire intérieure de l'album de l'année Sound & Color

Boys & Girls d'Alabama Shakes figurait parmi les débuts les plus émouvants et les plus célébrés de 2012, mais peu s'attendaient à ce que la chanteuse Brittany Howard et ses cohortes du Sud fassent monter les enchères sur Sound & Color. L'évolution du groupe a remporté quatre 58e nominations aux GRAMMY, dont Album de l'année et Meilleur album de musique alternative.

Avec un son spacieux et évocateur qui défie les barrières de genre, Sound & Color d'Alabama Shakes a été écrit et enregistré au cours d'une année, au cours de laquelle Howard se terrerait dans son sous-sol avec une réserve de barres granola pour des marathons d'écriture de chansons de 12 heures. . La plupart des chansons ont été enregistrées au cours de quatre sessions de deux semaines au Sound Emporium à Nashville, Tennessee, suivies d'une session finale d'enregistrement et de mixage à Ocean Way Recording à Los Angeles. Le processus comprenait l'enregistrement des vibrations du four, des livres de coloriage thérapeutiques et une évasion dans un monde de sa propre créativité.

Ensuite, Howard et d'autres participants clés derrière la collection en tête des charts racontent l'histoire intérieure de Sound & Color d'Alabama Shakes.

Brittany Howard (artiste/coproductrice) : Au lieu de dire que ce disque est vraiment, vraiment différent, je dirais simplement qu'il est plus évolué. Enregistrer un Boys & Girls Part 2 aurait été vraiment ennuyeux pour moi. Nous avions eu beaucoup de temps pour en savoir plus, pour apprendre différents types de musique, et bien sûr nos goûts ne cessent de grandir. Donc, ce disque était à moitié tourné vers l'avenir et à moitié tourné vers le passé. C'était comme, "J'ai toujours voulu faire ça. J'ai toujours voulu un vibraphone, j'ai toujours voulu arranger une section de cordes." Mais je ne peux jouer que de quelques instruments, alors quand je faisais une démo pour une chanson comme "Gemini", tout était aux claviers. Et puis nous allions en studio et devions trouver comment mapper cela à travers le groupe.

Shawn Everett (ingénieur/mixeur) : J'ai toujours beaucoup aimé "Gemini". Dans la démo initiale, Brittany avait cette harmonie numérique insensée sur sa voix et cela la faisait sonner comme un dieu. Elle sonne déjà comme un dieu, donc c'était comme un dieu multiplié par deux. Nous avons également essayé d'approcher cet effet dans notre version. J'aime aussi la guitare folle qui apparaît sans cesse de nulle part sur cette chanson.

Blake Mills (coproducteur) : En général, le groupe a estimé que leur large éventail d'influences ne faisait pas nécessairement leur chemin dans leur propre musique. Leur son avant cet album ressemblait à une tentative de capturer le son live du groupe, comme on pourrait approcher l'enregistrement d'un orchestre. Beaucoup de disques qu'ils aiment ne sonnent pas comme un enregistrement d'une répétition d'artiste, mais plutôt comme une tentative de transporter leurs auditeurs dans un monde qu'ils ont eux-mêmes créé.

Howard : Je l'inventais définitivement au fur et à mesure. J'étais comme, "OK, il y a quatre jours avant d'aller en studio. Combien de chansons ai-je prêtes?" Parfois il y en avait deux et parfois il n'y en avait pas. Et c'est à ce moment-là que je descendais dans mon sous-sol et que je continuais à écrire des chansons sans faire de pause. J'ai beaucoup travaillé sur [mon sous-sol], mais il y a toujours une chauve-souris qui y vit, et il y a une petite famille de souris. Je n'étais donc pas seul.

Rob Moose (arrangeur de cordes) : Le principal défi auquel nous avons été confrontés était de ne pas faire en sorte que [l'album] ressemble à "Alabama Shakes plus des cordes". L'idée n'était certainement pas d'avoir des cloches et des sifflets, ou quelque chose qui sonne juste cher, ou même de jouer un rôle énorme dans l'expression émotionnelle du disque, comme peuvent le faire les cordes. C'était vraiment un "travail de détail" que nous voulions faire, et je suis fier de certaines touches, en particulier celles que la plupart des auditeurs ne sauraient pas être des cordes.

Everett : En plus des parties de cordes incroyables de Rob Moose, il y a plusieurs moments où vous pensez entendre des cordes, mais ce sont en fait des vibrations de fournaise ou d'autres bruits acoustiques étranges. Les fréquences individuelles ont été fondues et déformées pour ressembler à une section de cordes ou à une autre texture d'un autre monde.

Howard : Lorsque vous êtes en studio, vous pouvez écouter quelqu'un frapper une caisse claire pendant environ une heure et demie. Alors pendant que ça se passe, nous faisons des livres de coloriage – vous savez, des livres de coloriage pour adultes, pas des coloriages pour enfants, pas Le Roi Lion – et nous faisons de l'art, et nous nous asseyons dans le salon en écrivant des chansons country. Et parfois, avant que la session ne commence, nous y allions et enregistrions des chansons country. Ensuite, Blake arrivait et nous serions, "OK, retour au travail!"

Mario Hugo (concepteur artistique/producteur vidéo) : Le label m'a fait venir écouter la nouvelle musique, et j'ai tout de suite été captivé. C'était très visuel, énigmatique et spatial, mais aussi honnête et brut. Et aussi difficile. J'ai écouté les mixages finaux tout au long du processus de conception, ce qui est extrêmement rare. Je peux dire que Sound & Color était, musicalement, l'un de mes albums préférés sur lesquels travailler.

Mills: Je pense qu'il est très inhabituel de nos jours de trouver un groupe à succès majeur qui peut être aussi intrépide pour défier son public. Nous n'avons rien déconsidéré, personne ne semblait remettre en question ses convictions et leurs fans ont vraiment pris la relève et soutenu cette bravoure.

Moose : Le groupe avait des amis qui visitaient le studio et ils ont préparé un festin du sud, ce qui était en fait incroyable. Je n'ai jamais vu de plats cuisinés à la maison en studio, et l'ambiance de ce jour-là résume en quelque sorte les qualités émouvantes et terre-à-terre du groupe pour moi.

Howard : Nous sommes juste un groupe normal de personnes qui croient en l'écriture et la réalisation de quelque chose. Et honnêtement, c'était vraiment pour s'amuser. Ce n'était pas pour devenir célèbre ou quelque chose comme ça. Nous voulions faire des concerts, c'était notre objectif, mais nous n'avions nulle part où jouer. C'est fou maintenant que nous soyons nominés pour [un album de l'année] GRAMMY. C'est remarquable et vraiment divin, je trouve. Mais nous avons aussi travaillé très, très dur pour en arriver là. Et je ne laisserai pas quelque chose comme ça me détendre.

Bill Forman est écrivain et éditeur musical pour le Colorado Springs Independent et ancien directeur des publications de la Recording Academy.

Branchez-vous sur la 58e édition des GRAMMY Awards en direct du Staples Center de Los Angeles le lundi 15 février à 20 h HE / 17 h PT sur CBS.

Photo: Le3ay

entretien

Après trois ans de préparation, Madison Beer a entamé son prochain chapitre avec "Home to Another One", le premier single de son deuxième album. La chanteuse détaille son parcours "libérateur" pour créer "Silence Between Songs".

À l'ère virale d'aujourd'hui, les personnalités d'Internet ne sont pas toujours difficiles à trouver. Mais ce qui n'est pas si facile à trouver, c'est une personnalité Internet avec une longue durée de vie - et Madison Beer a prouvé qu'elle est plus qu'une star virale éphémère.

Beer a commencé à publier des reprises sur YouTube en 2012, montrant ses prouesses pop et sa voix éthérée à l'âge de 13 ans seulement. Elle a brièvement suivi la trajectoire de la pop star adolescente après que Justin Bieber l'a signée chez Island Records la même année, mais l'a d'abord trouvée. véritable voix musicale sur son premier EP, As She Pleases de 2018. Et une fois qu'elle a pris le contrôle total avec son premier album, Life Support de 2021 – co-écrivant et coproduisant les 17 chansons – elle s'est complètement installée dans l'artiste Madison Beer.

Maintenant sur le point de sortir son deuxième album, Silence Between Songs (attendu le 15 septembre via Epic Records), Beer vise à développer le mélange de vulnérabilité sans faille et de mélodies contagieuses qu'elle a présentées depuis qu'elle est entrée dans la sienne. Elle en a d'abord donné un avant-goût avec "Home to Another One", un morceau aérien qui est un mélange de Lana Del Rey et Tame Impala – deux de ses plus grandes inspirations, dont la première a même donné des commentaires à Beer sur l'album.

L'approbation de Del Rey est l'une des nombreuses raisons pour lesquelles Silence Between Songs est spécial pour Beer, ainsi que le fait qu'elle a de nouveau co-écrit et coproduit chaque chanson. Mais peut-être que l'aspect le plus important du projet est la liberté qu'elle a trouvée au cours du processus de près de trois ans.

"En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si nous prenons une pause, quelqu'un vous remplacera, quelqu'un viendra juste derrière vous", a déclaré Beer. "Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice."

Beer a expliqué à GRAMMY.com comment devenir plus ancrée dans sa vie personnelle a inspiré la nouvelle musique et pourquoi, malgré sa renommée en ligne, elle est "en fait assez terrifiée par Internet parfois".

Félicitations pour la sortie de "Home to Another One" et l'annonce de l'album. J'imagine que c'est angoissant parce qu'on ne sait jamais vraiment comment les choses seront perçues. Qu'est-ce que ça fait de commencer enfin à tout sortir?

"Home to Another One" que j'ai fait il y a à peine six mois, c'était donc l'un des derniers ajouts à l'album avant que je ne le rende. Cela n'a pas été un processus d'attente trop pénible comme les autres. Mais je pense que la révélation du titre de l'album a été en fait la plus intense pour moi. Je suis assis dessus depuis trois ans, donc l'avoir là-bas semble assez surréaliste. Mais les réponses des gens ont été vraiment positives et les gens se sentent excités, ce dont je suis très reconnaissant.

C'est un peu un nouveau son pour moi; il a une énergie différente de mes autres chansons. Mais les vrais fans qui écoutent mes interviews ou me voient en tournée savent que mon catalogue musical de choses que j'écoute est assez électrique ou différent ; il n'y a pas qu'un genre que j'aime. Il n'y a rien que je puisse faire qui puisse vraiment les surprendre, car ils savent que j'aime toutes sortes de musiques.

Les titres d'albums, et les titres en général, sont toujours délicats. Dites-moi comment vous avez trouvé le vôtre, Silence Between Songs ?

J'étais très jeune quand j'ai vu pour la première fois un poème ou un livre sur ce genre d'idée. Il s'agissait de quelqu'un qui me manquait, et ça disait "Tu me manques tellement entre le temps qu'il faut pour que la prochaine chanson commence."

J'ai toujours pensé que c'était un concept tellement cool et je voulais faire quelque chose avec cette idée pour mon premier album. Mais quand nous avons commencé à créer l'album en 2020, la chanson "Silence Between Songs" était l'une des premières que nous avons créées, c'était donc le premier titre que j'avais en tête. Nous avons travaillé à partir de cela, et maintenant, trois ans plus tard, cela a une signification appropriée pour moi. J'ai tellement grandi depuis que j'ai commencé à le créer, et l'album parle vraiment de la façon dont vous pouvez grandir en atténuant le bruit.

C'est un témoignage du titre que vous avez gardé pendant trois ans et rien ne l'a dépassé. Comment avez-vous découvert que vous vous installez et que vous éliminez le bruit ?

Décidément, le titre est pour moi non négociable depuis. Mais après une tournée, c'est difficile de décompresser et de s'installer. En fait, j'ai eu du mal à revenir de ma dernière tournée et à revenir à la réalité ; vous êtes tellement occupé, et c'est un tel coup de dopamine tous les jours. Ça a été un peu difficile de me remettre sur pied, mais c'est dans ces moments-là que j'apprends le plus sur moi-même.

Maintenant, je donne la priorité à mon temps seul et à mes temps morts ; Je laisse mon corps se reposer et je ne me sens pas obligé de sortir et de faire des choses tout le temps. Si je veux rester à la maison et me détendre au lit tout le week-end, je le ferai. J'essaie de comprendre et de ne pas culpabiliser pour les temps morts et les temps de repos.

En tant qu'artiste, on nous dit parfois que si on fait une pause quelqu'un va te remplacer, quelqu'un va arriver juste derrière toi. Je ne souscris plus à cela, et je pense que cela a été une chose vraiment libératrice.

Une publication partagée par Madison Beer (@madisonbeer)

Est-ce pour cela que vous vous êtes senti obligé de continuer ?

Je pense que dans le passé, il s'agissait de savoir si les gens avec qui je travaillais ou les gens en ligne ; cette notion qui sera toujours prête à faire plus que vous et à tout faire, et si vous ne l'êtes pas, vous serez remplacé. C'était une vraie peur que j'avais depuis longtemps. Je ne laisse plus cela arriver, cependant. J'ai été viré d'un label et j'ai été remplacé, donc la peur est réelle, et pendant longtemps j'ai eu très peur de ça. Mais je ne le suis plus.

Vous arrive-t-il de vous soucier de révéler trop ou trop peu de vous-même ? En tant qu'artiste, trop peut sembler être un partage excessif ; encore trop peu, vous n'êtes pas totalement honnête. Où est l'équilibre pour vous, et comment l'avez-vous atteint ?

C'est certainement intéressant d'en discuter, car à l'ère des médias sociaux, beaucoup d'entre nous ont cette pression d'être racontables et sympathiques. Mais encore une fois, je ne me mets pas cette pression, parce que je pense que je ne suis pas le genre de personne qui se réveille tous les jours et ressent le besoin de faire une vidéo sur ces choses personnelles. Je suis prêt à le faire quand j'en ai envie, mais je pense qu'il est inauthentique de se forcer à le faire juste pour être aimé. Alors j'essaie de poster quand j'en ai envie. Je pense que mes fans me connaissent et que mes fans m'aiment. Je n'ai pas besoin de gagner le cœur du grand public pour diffuser ma musique et être reçu. Je ne veux jamais me forcer à faire quelque chose que je ne veux pas faire.

"Home to Another One" est un hymne mélancolique avec une panne. Je me demande quelle était la genèse de cette chanson ?

Eh bien, j'ai pensé, "Quel est mon son pop?" Dans le passé, quand j'ai fait des chansons optimistes, elles n'étaient peut-être pas si authentiques pour moi, ou des chansons que je ne monterais pas dans la voiture et que je voudrais écouter. Alors j'ai pensé : "Qu'est-ce que je peux faire qui soit pop et amusant, mais qui reste moi, et qui ne me vende pas pour faire une chanson classée comme optimiste ?"

Quand je l'ai entendu, vocalement, ça m'a tellement rappelé Lana Del Rey. Serait-ce juste de dire?

Certainement. Je suis une grande, grande fan d'elle et j'ai l'impression qu'elle s'est intégrée en moi d'une manière que je ne peux même pas identifier.

Lorsque vous écrivez de la musique, en tant que coproducteur, savez-vous où vos chansons vont aller en termes de style dès le départ ? Quel est votre processus ?

Je suis coproducteur de toutes les chansons, ce qui a été un autre de mes efforts formidables. J'ai la chance de travailler avec mon incroyable producteur Leroy Clampitt qui est prêt, et même désireux, d'entendre mon opinion et veut que je coproduise tout.

Ce n'est pas vraiment calculé, je ne pense pas. Ça coule vraiment. C'est un peu dommage que nous n'ayons pas eu de caméra dans la pièce pendant le tournage, parce que j'étais vraiment impliqué dans chaque son que vous entendiez. Ma relation avec Leroy est vraiment spéciale parce que je peux faire un son comme mmmmm et il comprendra ce que je veux dire. Tout est très minutieusement planifié, mais ce n'est pas du genre "je veux ce type de synthé". On a laissé couler la chanson. et construire au fur et à mesure.

De nombreux artistes sont crédités en tant que co-auteurs de chansons, mais peu sont crédités en tant que coproducteurs. Pourquoi était-ce important pour vous d'être crédité en tant que coproducteur sur vos propres morceaux ?

Travaillant avec le même producteur depuis plus de cinq ans maintenant, j'ai l'impression que je peux exprimer mon opinion et que ce n'est pas bizarre. Leroy est celui qui a eu la gentillesse de dire qu'il pensait que je devrais obtenir un crédit de coproducteur. Il a dit: "Tu as fait autant que moi." Toutes les idées viennent de moi et de nous, et nous faisons tout ensemble.

Votre premier album est sorti il ​​y a quelques années et vous avez commencé à travailler dessus en 2020. Pourquoi un si long processus ?

Ce n'était pas censé l'être. Le temps vous échappe, et je suis définitivement retourné en studio plusieurs fois pour refaire des choses et monter. Nous avons eu plusieurs tests de pressage du vinyle, et plusieurs fois j'ai pensé qu'il était terminé, puis je l'ai remis en place.

Je ne sais pas, j'ai l'impression que c'est comme ça que je suis. Je ne suis jamais vraiment trop satisfait. Mais mon objectif maintenant est d'essayer de sortir un album dans l'année qui vient après celui-ci. Je veux entrer dans le rythme de laisser tomber la musique plus fréquemment et ne pas prendre d'écart de trois ans entre chacun d'eux.

Vous avez une empreinte Internet si massive, avec 34 millions de followers sur Instagram uniquement. Un tel suivi est-il un cadeau ou un fardeau ? Comment gérez-vous cela dans votre esprit en sachant que vous pouvez décrocher votre téléphone et publier quelque chose pour un public de millions de personnes ?

Je gagne régulièrement des fleurs depuis 12 ans, donc c'est quelque chose qui ne s'est pas produit du jour au lendemain pour moi. Il y a une grande différence dans la façon dont je m'y prends maintenant par rapport à il y a quelques années. Je ne me force pas à être engagé tout le temps ou à publier tous les jours.

En fait, je suis parfois assez terrifié par Internet. La façon dont ça bouge peut être vraiment effrayante et je pense que nous ne nous laissons pas la place de faire des erreurs humaines. Si j'exprime une opinion en ligne ou si je veux dire quelque chose, ce n'est pas que je me fiche de ce que les gens en disent, mais je sais que mes intentions le sont. Je ne vais jamais plaire à tout le monde et plaire à tout le monde, mais je sais quand je veux parler et partager, c'est authentique et ça vient d'un bon endroit.

Kesha révèle les 10 chansons les plus importantes de sa carrière, de "Tik Tok" à "Eat The Acid"

Photo : Gracieuseté de Mathew V

vidéo

Le chanteur jazz-pop émergent Mathew V revisite "Georgia on My Mind" de Ray Charles, l'un des nombreux succès classiques qu'il a repris sur son dernier album, "Anything Goes".

Il y a plus de 60 ans, la légende musicale Ray Charles a gardé la Géorgie dans nos esprits avec une reprise inoubliable de la chanson originale de Hoagy Carmichael - en tête à juste titre des palmarès Billboard et remportant deux gramophones d'or aux GRAMMY de 1961.

"J'ai dit, Géorgie, oh, Géorgie/ Je ne trouve pas la paix/ Juste une vieille et douce chanson/ Garde la Géorgie dans mon esprit", chante Charles dans le refrain de la chanson. "D'autres bras se tendent vers moi/ D'autres yeux me sourient tendrement/ Pourtant, dans des rêves paisibles, je vois/ La route te ramène."

Dans cet épisode de ReImagined, le chanteur pop émergent Mathew V livre son interprétation de "Georgia on My Mind". Bien que Mathew V reste fidèle à l'enregistrement original de Charles, il s'approprie la chanson avec sa voix douce et ses courses agiles.

"Georgia on My Mind" est l'une des nombreuses chansons que Mathew V a reprises sur son dernier projet, Anything Goes, qui propose également des réinventions jazzy d'autres classiques comme "At Last" d'Etta James et "Don't Rain on My Parade" de Barbra Streisand. ." Il apportera ses styles de jazz sur scène le 6 août, lorsqu'il présentera un spectacle d'un soir seulement dans sa ville natale au Frankie's Jazz Club à Vancouver, au Canada.

Appuyez sur lecture sur la vidéo ci-dessus pour regarder l'interprétation émouvante de Mathew V de "Georgia on My Mind" de Ray Charles, et revenez sur GRAMMY.com pour plus de nouveaux épisodes de ReImagined.

Kassa Overall brise le moule et embrasse l'absurdité sur le nouvel album "Animals"

Photo: Dutty Vanier

liste

Tenu du 7 au 13 juin dans divers cinémas de New York, le Festival du film de Tribeca présentera plus de 20 films musicaux passionnants - des courts métrages aux documentaires et biopics. Lisez la suite pour certaines des projections les plus excitantes du festival.

Le Tribeca Film Festival annuel regorge d'indies acclamés par la critique, de courts métrages provocateurs et de documentaires révolutionnaires - lors de l'édition 2023, la musique est au cœur de nombreuses catégories.

Tenu du 7 au 13 juin dans divers cinémas de New York, le Tribeca Film Festival présentera des films musicaux passionnants couvrant tous les genres. Il y a plus de 20 projections liées à la musique au festival, y compris des courts métrages et des vidéoclips comme Lizzo's Special, ainsi que des films abordant les sous-cultures et des biopics perspicaces sur Gloria Gaynor, Cyndi Lauper, Carlos Santana, les Indigo Girls et Biz Markie.

Les longs métrages incluent Lost Soulz, un drame sur une bande-son hip-hop lo-fi et mettant en vedette le rappeur Suave Sidle; un film de concert sur l'extravagance musicale de Taylor Mac, mettant en vedette trois décennies d'histoire sociale américaine avec un orchestre de 22 musiciens et une foule d'invités spéciaux. Le légendaire film de hip-hop Wild Style est également à l'affiche, ainsi qu'un récit tendu de la controverse entre Milli Vanilli et Frank Farian qui a finalement conduit à la disparition du duo. Certains des artistes présentés se produiront également en direct après la première de leurs films.

Accompagnant la liste de films, des conférences de stars de la musique comme Chance the Rapper, Lin-Manual Miranda, Hailee Steinfeld et Diplo, offrant toutes leur expertise individuelle et leurs connaissances de l'industrie, ainsi que des projections de vidéoclips, notamment Lizzo's Special et Lunarcode's The Light. Un salon de musique accueillera également des performances de Tei Shi, Frost Children, LuNika, Habibi et Sussan Deyhim.

Avant le festival, GRAMMY.com a rassemblé certains des documentaires musicaux et des longs métrages les plus excitants.

Présenté en première mondiale à Tribeca, ce documentaire nous emmène dans les coulisses du camp d'écriture de chansons pour femmes d'Alicia Keys, She Is The Music. Réalisé par la cinéaste primée aux Emmy Awards Beth Aala, ce film explore les difficultés de percer dans l'industrie de la musique en tant que femme de couleur.

Keys agit en tant que mentor, guidant les auteurs-compositeurs à travers des performances en direct et des sessions d'écriture intimes, ainsi que s'ouvrant sur les difficultés qu'elle a rencontrées à venir. Cependant, ce sont les participants du camp qui occupent le devant de la scène dans ce documentaire, notamment Ayoni, originaire de la Barbade, et DaVionne, originaire d'Atlanta.

Le soir de la première, certains des participants du camp se produiront dans un spectacle organisé par Alicia Keys.

La légendaire chanteuse disco Gloria Gaynor partage l'histoire de sa vie dans ce nouveau biopic, retraçant non seulement ses succès marquants, mais aussi ses luttes en cours de route. Depuis la sortie de la chanson qui l'a amenée dans les livres d'histoire, "I Will Survive", la vie de Gaynor a été gâchée par des problèmes de santé et son ex-mari violent. Aujourd'hui, âgée de 76 ans, elle sort un nouvel album de gospel et nous l'accompagnons.

Gloria Gaynor elle-même se produira après la première du doc.

Lorsque les Jamaïcains ont émigré à New York dans les années 80 et 90, ils ont apporté avec eux un catalogue de culture - de la musique et de la danse à la nourriture et à la langue. Il convient de noter en particulier l'importation de la musique dancehall, un genre qui a été élevé dans la ville et, éventuellement, dans le reste du pays et du monde.

Dans ce documentaire, nous entendons l'histoire du dancehall racontée à travers certains des visages les plus reconnaissables du genre : Sean Paul, Shaggy, Ding Dong, Kool Herc et bien d'autres. Parallèlement à leurs anecdotes, le public visionnera des images d'archives inédites pour aider à raconter l'histoire de la façon dont le dancehall a voyagé de Kingston à la Big Apple et comment il a inspiré des générations, y compris dans le hip hop, qui célèbre cette année son 50e anniversaire.

Après la première, il y aura une performance des légendes du dancehall.

Ce long métrage raconte l'histoire de Sol (joué par le rappeur Suave Sidle), qui rejoint un groupe de hip-hop et parcourt le Texas dans l'espoir de se retrouver. Il crée, produit et performe avec une troupe qui sont aussi des rappeurs dans la vraie vie.

Alors que la majeure partie du film est scénarisée, la réalisatrice Katherine Propper a également donné aux acteurs la liberté et l'espace pour improviser. Sur une bande-son hip-hop lo-fi, l'effet est un confort brumeux et des moments qui vous surprennent. Lost Soulz consiste à trouver un chez-soi sous quelque forme que ce soit et à chercher à réaliser ses rêves sans savoir exactement ce qu'ils sont.

La cinéaste Alexandria Bombach adore les Indigo Girls depuis son adolescence et fait partie d'un public mondial attiré par la musique libératrice du duo folk-rock.

Dans cette ode documentaire, les membres Emily Saliers et Amy Ray partagent leur histoire de succès qui s'étend sur des décennies de distinctions impressionnantes, y compris la vente de 15 millions de disques. Mais cela met également en évidence les difficultés auxquelles elles ont été confrontées en tant que femmes et lesbiennes au sein d'une industrie musicale misogyne et homophobe, et comment cela s'est infiltré dans leur vie et leur travail au sens large.

Saviez-vous que l'hymne national américain est basé sur une vieille chanson britannique ? Dans ce documentaire, les musiciens et producteurs Kris Bowers et Dahi parcourent les États-Unis pour découvrir à quoi pourrait ressembler un hymne national inspiré du riche mélange de genres musicaux de l'Amérique.

En traversant le pays, ils explorent et discutent de la Motown à Detroit, du blues à Clarksdale, de la musique country à Nashville, du jazz à la Nouvelle-Orléans, de la musique et de la danse amérindiennes à Tulsa et de la musique latine à San Francisco. Avec toutes ces informations, ces connaissances et cette infusion d'expertise culturelle, ils se sont mis à enregistrer un nouvel hymne qui vise à refléter l'Amérique d'aujourd'hui.

Tierra Whack est devenue célèbre à 15 ans après qu'une vidéo de son rap freestyle dans les rues de Philadelphie ait accumulé des milliers de vues. Alors qu'elle est devenue incontournable dans le monde du rap, le réalisateur Chris Moukarbel a voulu documenter son parcours.

Il a commencé à filmer ses concerts et sur le tournage de ses vidéoclips pour capturer le voyage dans les coulisses. Un soir, une étrange interaction avec un fan a conduit Tierra et son équipe sur une voie involontaire vers des théories du complot autour de l'industrie de la musique dirigée par un petit groupe d'élites. Dans ce pseudo-documentaire, on est obligé de tout remettre en question : qu'est-ce qui est réel, qui raconte cette histoire, et que faut-il croire ?

Taylor Mac est un artiste extraordinaire et multipotentiel dont le vaste travail théâtral comprend cette version condensée d'une performance musicale de 24 heures filmée au St. Ann's Warehouse de Brooklyn. C'est une tentative de résumer l'histoire de la musique américaine de 1776 à nos jours. Capturé par les cinéastes de renom Rob Epstein et Jeffrey Friedman, il s'agit d'une extravagance délicieusement queer, glamour et tumultueuse.

9 podcasts hébergés par des artistes que vous devriez consulter maintenant : Sam Smith, David Guetta, Norah Jones et plus